Le livre d’artiste – ses volontés et ses déceptions – réactualisé par les éditions Zédélé

Abstract:

            Its design, its history and its environment make the artist book a particular object in literature. Indeed, every element defines it more as an object of art than a book. To begin with its origins, it is obvious that the artist book is about art and is part of art history rather than literary history. First, artists’ books were created by artists not writers, such as Edward Ruscha, Peter Downsbrough or Seth Siegelaub. The book was only one form among others to create art, but it was a medium with specific interests. This choice is here developed in Anne Moeglin-Delcroix’s thesis. Artists’ books are then presented as democratic tools for artists, as a means to acquire more visibility, to touch more people – not only experts or art lovers. In fact, a book is something we can find in many places and it is a serial object, not a unique one as a piece of art can be.

However, there is a paradox between artistic ideas and realistic facts. As an artistic object rather than a literary one, the artist book is a complete product of the art market and so does not belong to the book market. For instance, the complex making of artists’ books explains why they are valued as a painting or a sculpture. Therefore they are confined into collectors and merchants’ worlds. All of this sheds light on the reason why the artist book, even if it is a book, is often absent from literary spaces such as bookshops and libraries. Here is the ambiguity highlighted: until the nineties, there was a discrepancy between artists’ initial will (to open their art to more people) and the system the artist book belongs to (an elitist one).

Nevertheless, these last ten years artists’ books have managed to escape from this world and have conquered the book market with the help of some publishers. One of them is Zédélé which was founded in 2002 in Brest and which publishes artists’ books. Zédélé especially publishes a series named « Reprint » directed by Anne Moeglin-Delcroix and Clive Phillpot, two experts on the subject. This series aims to reconnect artists’ books with their primary intention: be more reachable, in particular regarding their price, their quantity and their sales venues. Every year, they reprint four big artists’ books in which they place a little insert written by artists in relationship with series’ directors. Thus they reprinted Wit-white of Herman de Vries in 2012 and Soldier, a work of Emett Williams, in 2013. Of course, this whole business requires money and several financial partners contribute to it such as Brittany’s DRAC, CNAP or even galleries.

Finally, among others, Zédélé has managed to open the book market to artists’ books even if they remain artistic objects.

 

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Le livre d’artiste est une composante à part dans la littérature. Que ce soit dans ses origines, ses conceptions, mais aussi son histoire et le milieu dans lequel il a évolué.

Les origines

Ce qui différencie le livre du livre d’artiste est sa nature. D’un côté, nous avons une œuvre d’art, de l’autre, une œuvre littéraire. Le plasticien et l’écrivain sont tous deux des artistes dans leur discipline, mais le livre d’artiste, malgré sa matérialité de livre, s’inscrit dans l’histoire artistique et non littéraire. Contrairement à la littérature, l’art revêt bien d’autres formes et le livre manifeste donc un besoin particulier des artistes. Le livre d’artiste n’est donc ni un livre sur l’Histoire de l’art, ni même une monographie d’artiste mais bien un objet-livre qui sert de support à une œuvre d’art.

L’objet-livre est donc un médium de l’œuvre d’art.
Nés dans les années 1960 les livres d’artistes sont une des expressions de l’art conceptuel, tant dans le propos que dans la forme des œuvres. Les artistes conceptuels voulaient un art qui ne soit qu’une exploration de lui-même. Ils prêtaient également attention au contexte et à la présentation de l’œuvre. En effet, le choix du livre comme médium répond à un souci de forme et apporte de l’intérêt au sens de l’œuvre. Si les artistes, depuis les années 1960, utilisent ce médium, c’est parce qu’il peut toucher tout le monde, c’est un objet commun proche du quotidien. On y est habitué, il y en a dans tous les foyers, toutes les institutions, les prix varient mais restent dans la plupart des cas raisonnables et donc abordables . Cette utilisation du livre reflète donc un désir de se rendre plus accessible, plus visible. Un médium illimité, réimprimable à volonté et diffusé dans des lieux fréquentés par tous, amateurs d’art ou non. Edward Ruscha exprime ce souhait lorsqu’il affirme qu’il « n’essaie pas de créer un livre précieux en édition limitée, mais un produit de série qui soit de premier ordre¹ ». Les livres d’artistes veulent donc être placés au même statut que les autres livres. Dès sa naissance dans les années 1960 et durant les quarante premières années du livre d’artiste, certains tel que Peter Downsbrough ou encore Christian Boltanski, ne s’embarrassaient pas du circuit éditorial classique. Ils passaient par des éditeurs occasionnels, souvent galeristes, commissaires d’expositions ou encore critiques d’art, et préféraient parfois même l’autoédition. Contrairement au livre, le livre d’artiste se veut maître de lui-même afin de pouvoir exprimer au mieux sa réflexion. Les artistes étaient contre le tirage limité et la numérotation, ils utilisaient des procédés peu coûteux et rapides telle que la photocopie et proposaient parfois la gratuité de leurs livres. On voit ici tout le sens du livre d’artiste : aller à l’encontre du système de l’art et de son marché, exprimer une réflexion au travers d’un médium approprié et se rendre accessible. Ils ont ainsi mis en route « une nouvelle façon de faire de l’art² » comme le dit Anne Moeglin-Delcroix³, grande spécialiste en la matière. Il s’agit aussi du désir, passant par un objet « coutumier », de focaliser le regard du spectateur sur une réflexion, un point de vue du monde et de l’art, plutôt que sur un bel objet. Le livre, sortant l’art de sa matérialité pour se concentrer sur l’idée qu’il dégage, cherche à sensibiliser le spectateur au message et non à l’affecte suscité par l’objet et sa beauté plastique. C’est en ce que ces livres ont d’artistique qu’ils se différencient le plus du livre, non dans leur contenu, mais dans leur appartenance au marché de l’art, qui étouffe son désir de démocratisation.

Sa réalité

N’échappant pas pour autant à leur esthétisme, les livres d’artistes ont néanmoins rempli leur objectif du point de vue du concept. Or, bon nombre de livres d’artistes, des années 1960 jusqu’aux années 1990, sont toujours restés là où le marché de l’art les avait placés, inaccessibles et pour beaucoup épuisés. Malgré ce désir d’accessibilité, les artistes n’ont pu empêcher le marché de l’art de s’en mêler, intervenant donc sur leur prix et leur diffusion. Prenons l’exemple du livre Dutch Details d’Ed Ruscha édité en 1971, tiré à 3 000 exemplaires et côté à 20 585 euros. En effet, beaucoup de ces livres relèvent d’une conception complexe : souvent assemblés et imagés à la main, notamment pour la gravure et la sérigraphie, le tirage minimum est alors limité à un exemplaire contre 1 000 au minimum pour un premier tirage d’œuvre littéraire. En général, pour un tirage, tous les exemplaires sont numérotés et signés par l’artiste. Ils sont alors élevés au rang d’œuvre de collection, d’objet rare. Le prix du livre d’artiste, dans les années 1960, est donc fixé par la rareté, la qualité et la réalisation de l’œuvre ainsi que par la renommée de l’artiste. Ces critères amènent alors le livre à des prix hors de toute réalité. Par conséquent, il circule essentiellement dans le cercle fermé des marchands et collectionneurs d’art, loin des volontés de démocratisation des artistes et donc loin des librairies.

En effet, le marché de l’art est relativement fermé voire totalement aux amateurs. Le marché du livre d’artiste est ainsi régi par des galeries ne cherchant pas à s’élargir. Les livres d’artistes ne sont pas diffusés dans les circuits classiques des librairies et si certains sont présentés lors de salons spécialisés, ils ne sont pas manipulables ou à condition de porter des gants. Le point de vue critique, émis par les artistes, vis-à-vis de l’art comme fabrique de beaux objets, s’attache tout autant au marché de l’art qui les a mis à mal qu’à l’appréhension de l’art comme production de beaux objets. Seth Siegelaub, marchand et commissaire d’art ainsi qu’éditeur (qui édite sous son propre nom comme de coutume dans l’édition d’art) considère cette volonté de « dématérialiser » l’art comme la « tentative la plus sérieusement soutenue à ce jour pour échapper à la fatalité de l’objet marchand⁴». Actuellement, le livre d’artiste a réussi à s’extirper en partie de ce marché. Ceux publiés récemment répondent plus aux désirs premiers de leurs précurseurs et ce grâce aux éditeurs qui font leur travail dans le respect de ces idéaux. Les livres d’artistes de ces dix dernières années sont donc l’expression fidèle de cette volonté d’accessibilité à l’art. Néanmoins, une grande partie de l’histoire du livre d’artiste reste encore méconnue et inatteignable. Ainsi, les livres d’artistes de la deuxième moitié du xx^e siècle ont pour beaucoup été engloutis par le marché de l’art. Les éditions Zédélé, jeune maison d’édition spécialisée en livres d’art et d’artistes, s’est lancée le défi de rendre à ces livres leurs objectifs premiers.

L’initiative des éditions Zédélé face à cette situation

La maison d’édition Zédélé, installée à Brest depuis 2002, édite des livres d’artistes, des monographies et des livres de photographies. Son travail s’articule le plus souvent en collaboration avec l’artiste afin d’atteindre la forme la plus juste dans le concept originel. Touché par le manque de contact possible avec le livre d’artiste, Galaad Prigent, l’éditeur, a fait naître une collection de rééditions de livres d’artistes, « Reprint », qu’il a placée sous la direction de Anne Moeglin-Delcroix et Clive Phillpot⁵, deux grands spécialistes en la matière. Le désir était de redonner au livre d’artiste sa nature première, c’est-à-dire de le rendre plus accessible, tant par la quantité d’exemplaires que le prix et les lieux de vente. Chaque livre de la collection est tiré entre 1 000 et 2 000 exemplaires et une fois épuisés, ils seront réimprimés dans la mesure du possible. Ils sont diffusés et distribués sur le territoire dans les librairies généralistes et spécialisées par Pollen Diffusion et par Zédélé elle-même en ce qui concerne également l’étranger. Le projet est donc de rééditer tous les ans quatre grands livres d’artistes majeurs qui ont joué un rôle important dans l’histoire de l’art contemporain et dans la pratique de leurs créateurs. Ces livres ont été publiés en 2012, après deux ans de travail. Il s’agit de Wit-White de Herman de Vries, (plusieurs éditions en 1960, 1962, 1967 et 1980 chez d’autres éditeurs), Notes on location de Peter Downsbrough, South America de Richard Long et Green as Well as Blue as Well as Red de Lawrence Weiner (les éditions originales de ces trois derniers datent de 1972).

Herman de Vries a conçu la première version de Wit-white en 1960 dans une période où il réalisait des monochromes blancs. C‘est un livre totalement blanc, qui a connu trois versions, la présente réédition est issue de la dernière version. Le titre original qui signifie « esprit blanc » est traduit en anglais en japonnais et en sanskrit. Il s’agit du blanc dans le sens d’immaculé. Le titre n’est pas sur le livre mais imprimé avec le paratexte sur une large bande de papier faisant office de bandeau. Le blanc, loin de n’être que du vide, ouvre toutes les perspectives et les possibilités. Chacune des trois versions fut une exploration de l’expression du blanc et des possibilités qu’il offre. Le travail d’Herman de Vries porte également sur la perception des objets et leur rapport à l’espace, opérant comme un révélateur de celui-ci, insistant sur la réception du spectateur et son expérience spirituelle et corporelle à l’œuvre. Il cherche à provoquer des visions différentes et nouvelles, une réalité infinie et changeante. Par la suite, il a beaucoup travaillé à partir de végétaux. Ancien naturaliste, il cherche à évoquer l’universalité du paysage et la réalité primaire de la nature, lieu de création perpétuelle. On retrouve dans son livre une volonté de retour à l’essence des choses.

Peter Downsbrough est un artiste sculpteur se situant au croisement de l’art minimal et de l’art concret. Notes on location est un recueil de notes sur le lieu et l’espace, sujet qui n’a pas quitté son travail depuis. Il établit ainsi la base de son vocabulaire artistique, sobre et épuré, constitué de surfaces peintes, de mots, de lignes et de figures géométriques simples. La combinaison de ces éléments formalise des espaces structurés apportant une multiplicité de lectures. Son travail sur le lieu porte sur la position des choses et des gens, le déplacement et les expériences variées des espaces selon les cultures. Selon Peter Downsbrough, le livre est un espace architectural et sa lecture est l’expérience du mouvement dans cet espace. Ses multiples pratiques fondées sur la position et le cadrage interrogent le rapport à l’espace et au langage. Avant que les éditions Zédélé ne les rééditent, le livre d’ Herman de Vries, bien qu’il eut connu différentes versions et rééditions, et celui de Peter Downsbrough étaient introuvables.

Depuis 1971, les livres de Richard Long conservent les traces de ses marches dans la nature, non comme témoignage mais comme œuvre à part entière. Cet artiste est connu pour ses œuvres in situ, c’est-à-dire dans un lieu qui seul peut recevoir l’œuvre, lui donnant alors sens, contrairement à des œuvres qui se présenteraient aisément en galerie. Ses œuvres établissent une connexion entre l’art et la nature, il y cherche l’esprit des lieux. Il effectue également des relevés topographiques et il photographie son œuvre. Ainsi, chaque version d’une même action devient une œuvre indépendante ayant un statut différent. South America, en vente sur le site de la galerie Konrad Fischer à 250 euros, est un livre singulier dans la pratique de Richard Long. Il avait habitué son lectorat au livre de photographie et au livre ne contenant que des unités sémantiques. Cependant, ici, il s’agit d’un format carré qui ne contient que des dessins réalisés avec des matériaux trouvés lors d’une marche en Amérique du Sud. Ce livre est le bon exemple de la conception difficile et précise que peut nécessiter un livre d’artiste. Il est entièrement façonné à la main, dans une forme en accordéon dont chaque double-page est contrecollée à la précédente et à la suivante, le tout étant réuni par une fine bande de papier en guise de tranche. Complexe dans le choix du papier qui ne doit pas gondoler, l’éditeur a dû trouver un façonnier capable d’assembler manuellement l’ensemble des double-pages du livre, car pour reproduire à l’identique la technique utilisée pour la version de 1972, l’assemblage ne pouvait être fait en machine.

Enfin, grande figure de l’art conceptuel, Lawrence Weiner considère le langage comme médium principal de l’art. L’imprimé est donc essentiel dans son travail. Green as Well as Blue as Well as Red, au prix de 50 euros, est un livre particulier pour son auteur. C’est le premier dans lequel il combine mots et signes typographiques. Comme le titre l’indique, il traite de l’équivalence universelle des couleurs du point de vue des mots qui les désignent et de leur sens. En sa qualité d’ancien peintre, il s’agit pour Lawrence Weiner de remettre en question un rapport sensible, optique, à l’art. Son travail s’articule autour de différents médias, avec une prédominance pour les installations murales. Le langage est la base même de son travail et ses œuvres apparaissent souvent sous forme d’énoncés. Il s’attache au sens que confèrent les mots, à ce qu’ils déclenchent dans le cerveau humain.

Dans chaque livre est présent un insert, rédigé par les artistes en relation avec les directeurs de collection et précisant le contexte dans lequel l’édition originale est apparue. Ces quatre premiers livres ont été accompagnés par de nombreux partenaires financiers : le conseil général du Finistère, le conseil régional de Bretagne, la DRAC de Bretagne (Direction Régionale des Affaires Culturelles), le centre d’art Passerelle à Brest, la galerie Konrad Fischer à Berlin, le CNAP (Centre National des Arts Plastiques). Le programme de 2013 est déjà lancé avec le projet de réédition du livre Soldier d’Emett Williams, qui faisait partie d’un ensemble de quatre projets publiés en 1973.

Le livre d’artiste est donc un livre produit par un artiste faisant l’objet d’une tentative de réflexion sur le monde et l’art. Déjà dans les années 1960, le livre était considéré comme un médium, qui n’appartenant pas à l’art, avait la possibilité de s’émanciper pour toucher un public non spécialisé. Les éditions Zédélé ont accédé à ce désir à travers la collection « Reprint ». C’est donc un projet fidèle aux idées des artistes des années 1960. Au même titre que la littérature, le livre d’artiste peut trouver sa place et se démocratiser.

Pour aller plus loin

Sites à consulter

• La collection Reprint
• Les éditions Zédélé
• Herman de Vries
• Richard Long
• Le CNAP
• Green as Well as Blue as Well as Red
• South America
• Notes on location
• Wit-Whit

Livre à consulter

• MOEGLIN-DELCROIX Anne, Esthétique du livre d’artiste, une introduction à l’art contemporain, éditions le Mot et le Reste, Marseille, 2012, 400 pages, 65 €.

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